El Beso de la Muerte

El Beso de la Muerte, (EL Petó de la Mort) en catalán es una escultura de mármol, que se encuentra en el cementerio de Poblenou en Barcelona.

La escultura de El Beso de la Muerte, es sin duda la composición más conocida y destacada del cementerio.

Se cree que la escultura fue creada por Jaume Barba, aunque otros aseguran que la idea fue concebida por Joan Fontbernat.

El encargo se hizo al taller de Jaume Barba, a quien desde siempre fue adjudicada la creación de la escultura, pero dado que el maestro tenía 70 años cuando se realizó, parece más veraz la versión de que la obra fue realizada por Joan Fontbernal que era yerno del maestro y escultor más cualificado del taller, aunque la parte trasera de las costillas de la escultura que posee un realismo impactante, también es atribuida a Artemi Barba.

La escultura representa a la muerte, en forma de un esqueleto alado, plantando un beso en la frente de un hombre joven y guapo. La escultura evoca diferentes respuestas a las personas que la ven: es el éxtasis en el rostro del joven o la renuncia a la vida.

El erotismo del beso es difícil de disimular, la escultura muestra la bienvenida  a la muerte como un socio. La escultura es a la vez romántica y terrible, que lleva a los diferentes puntos de vista de las personas que lo ven. Que atrae y repele a la vez, la necesidad de tocar combina con el deseo de huir.

La escultura se encuentra sobre la lapida del empresario textil Josep Llaudet Soler.

Hacia 1930 la familia Llaudet perdió un hijo en plena juventud y quiso hacer una escultura para su tumba, que representase los siguientes versos de Mossen Cinto Verdaguer del epitafio:

Mes son cor jovenitol no pot mes;

en ses venes la sanch s´atura i glaça

i l´esma perduda amb la fe s´abraça

sentint-se caure de la mort al bes.

Traducido quedaría así:

Mas su joven corazón no puede más;

en sus venas la sangre se detiene y se hiela

y el ánimo perdido con la fe se abraza

sintiéndose caer al beso de la muerte.

Se dice que la escultura inspiró la película El séptimo sello, de Ingmar Bergman.

El paseo por el Cementerio de Poblenou, comprende aproximadamente cien años de historia del recinto funerario de la ciudad, desde su creación en 1775 hasta 1888, año de la Exposición Universal celebrada en Barcelona. El cementerio nos ofrece una muestra de obras pertenecientes a diferentes épocas y estilos de algunos de los arquitectos y escultores más importantes de los siglos XIX y XX y anécdotas personales, testimonios del rico tejido de conexiones que existen entre la ciudad y el cementerio.

Este hecho hace que se haya creado una ruta turística por el recinto en el que se visitan 30 sepulturas en un tiempo de hora y media.

Las visitas guiadas en castellano se realizan el primer domingo de cada mes a las 10:30.h.

Recomendación del Mes (Enero 2015)

Mundo Microscópico

Sábado 03 de enero, 2015 - domingo 01 de febrero, 2015  

Exhibición compuesta por un centenar de fotografías microscópicas donde se puede apreciar las líneas de Investigación sobre enfermedades crónico-degenerativas como la osteoartritis, la cirrosis hepática y el cáncer, pasando por algunos conceptos de inmunidad en relación con los mecanismos de defensa de los individuos contra estas enfermedades. Exposición realizada por investigadores del CINVESTAV. 

IPN-Instituto Politécnico Nacional
Avenida Wilfrido Massieu entre Avenida Politécnico Nacional y Avenida Manuel 

 

 

Manuel Manilla

Manuel Manilla fue un caricaturista mexicano que nació cerca de 1830 y que murió de tifo en 1895. Su figura se ha visto eclipsada por la del hidrocálido José Guadalupe Posada, quién adquirió fama a partir de sus grabados relativos a la muerte en un tono festivo. Cabe señalar que Manilla -hasta donde se sabe- fue el primero en realizar grabados en donde se humanizaba y caricaturizaba a la muerte. De esta manera, la influencia que recibió Posada, fue directa, ya que ambos trabajaron en el taller de Antonio Vanegas Arroyo, posteriormente Posada supliría a Manilla. El empezó a trabajar con Venegas en 1882 y se retiró en 1892.

Uno de los grandes problemas con relación a la figura de Manilla, es que se tienen muy pocos datos sobre él, motivo por el cual su biografía es nebulosa y con huecos por todas partes. Sin embargo, con relación a su obra existen varios documentos y libros que hablan al respecto, uno de ellos es la monografía que realizaron Mercurio López Casillas y Jean Charlot, que recibe por nombre simple y sencillamente Manilla. En este libro se rescatan alrededor de 589 estampas de Manilla, que cabe señalar, algunas de ellas han sido atribuidas a Posada. Por otro lado, en dicho texto se resalta la importancia de los grabados de Manuel Manilla, así como su valor estético.

Jean Charlot y Peter Morse, nos hablan en sus Escritos Sobre Arte Mexicano (http://www.jeancharlot.org/writings/escritos/charlotescritos15.html) de su obra:

Obra

"Solamente el pintor que es del pueblo lo pinta en sí, como se retrata a un hermano; y logrando el parecido, sin saberlo, hace obra social”. (Escritos Sobre Arte Mexicano, Jean Charlot) La unidad de su obra no solamente reside en los asuntos representados, sino, sobre todo, en su plástica muy personal, la cual fusiona armoniosamente ingenuidad voluntaria y sabiduría humilde. Sus grabados, durante diez años, reinaron incontestablemente, repartidos a profusión en las hojas volantes de los corridos, pero la ingenuidad de sus composiciones no pudo resistir al empuje de las de Guadalupe Posada y cuando éste empezó a trabajar para Vanegas Arroyo, Manilla tuvo que retirarse. Cuando desiste del movimiento para lograr actitudes de reposo, llega Manilla a lo monumental, como en el grupo del aguador y su mujer, cuyo original mide menos de siete centímetros, pero que, sin perder nada, podría ser amplificado hasta más del tamaño natural. Los diablos complacientes, llevándose a unos muchachos malvados, no nos esconden el estupendo paisaje geométrico del fondo y nos hace soñar el cometa poco astronómico y muy mexicano ilustrando las terribles profecías de Vanegas Arroyo, que aquí apuntamos:

Colosal y nunca visto cometa,

EL GRAN COMETA LUCHADOR,

Terrible lluvia de fuego

El incendio de la luna,

El fin del mundo llegó,

El Juiciote Universal,

Ahora sí que la pitamos,

A morir, sin más ni más.

Técnica

El medio empleado es el champlevé al buril sobre una placa de zinc, medio que favorece la franqueza de las tallas y la espontaneidad del dibujo. La composición mezcla hábilmente elementos geométricamente simétricos y elementos desimétricos, pero equilibrados por masa, la relación de los unos y los otros, siendo de gran efecto dinámico.

wikipedia. Manuel_Manilla

Recomendación del Mes (Diciembre 2014)

Alice Rahon

Alice Rahon (8 de junio 1904 - septiembre 1987) fue una francés / mexicana poeta y artista, cuyo trabajo contribuyó al comienzo de la expresión abstracta en México. Ella comenzó como una surrealista poeta en Europa, pero comenzó a pintar en México. Ella era una artista prolífica de finales de 1940 a la década de 1960, que exhibe con frecuencia en México y Estados Unidos, con un amplio círculo de amigos en estos dos países. Su trabajo se mantuvo atado al surrealismo, pero también fue innovador que incluye elementos abstractos y el uso de nuevas técnicas como esgrafiado y el uso de arena para la textura. Quedó aislada en su vida después, debido a problemas de salud; y con excepción de retrospectivas en el Palacio de Bellas Artes en 1986 y en el Museo de Arte Moderno en 2009 y 2014, ha sido olvidado en gran medida a pesar de su influencia en el arte moderno mexicano.

A principios, la obra artística de Rahon estaba en la poesía, a menudo escribiendo sobre escenas y paisajes de su infancia, así como acerca de su inmovilidad y la nostalgia.

Sin embargo, después de llegar a México, comenzó a pintar, primero en satercolours, inspirado en el color que se encontró en México. La mayor parte de su obra posterior fue en aceites, pero también creó dibujos, collages y objetos. Las principales influencias en su trabajo son surrealismo, la poesía, sus viajes y México. Su trabajo ha sido descrito como primitivo e intensamente poética, "la respiración con y vida interior."[1] Sus pinturas tienen algún vínculo con surrealismo, pero también están ligados a sus experiencias en México y su uso del color, la luz y la aparición de los paisajes muestran influencia de la poesía. La influencia de las pinturas rupestres y el arte tribal de sus viajes también puede ser visto. Sus obras se consideran maduros desde el principio, con elementos abstractos (no aceptadas en México en el momento), pero aún representa algo concreto, casi siempre los fenómenos naturales. Su influencia surrealista era en su mayoría de Paalen, con importantes principios influencias son morrenas, Rendez-vod de Vivieres y Cristales del Espacio. Sin embargo, también se clasifica con otros artistas surrealistas de Europa en México, como Remedios Varo y Leonora Carrington. A diferencia de éstas dos, no lo hizo confinarse a los aceites, pero experimentado con técnicas, en especial los relacionados con la textura, que muestran la influencia de Rufino Tamayo.

Sus temas incluyen paisajes, elementos de mitos, leyendas, fiestas mexicanas, y elementos de la naturaleza, además de ciudades míticas (que representan mundos introspectivos) y homenaje a varios artistas que admiraba. El agua apareció a menudo, tanto en formar y como el color azul. Hizo serie de pinturas relacionadas con los ríos, de forma similar a los creados por Paul Klee titula El Nilo, Río Papaloapan, Río Papagayos y Encuentro de rivieras (pintadas muchos años después). Ella creó pinturas en honor a Giorgio de Chirico, Frida Kahlo, Diego Rivera, Joan Miró y Pablo Neruda. Dos dedicada a Frida Kahlo como La balada de Frida Kahlo (hecho poco después de la muerte de Frida), así como Frida aux yeux d'Hirondelle en 1956, que fue reelaborado una década después.

Mientras surrealista, su trabajo también demuestra el comienzo del arte abstracto en México en la década de 1940, junto con Carlos Mérida, Gunther Gerzso y Wolfgang Paalen. También fue un pionero en el uso de arena, esgrafiado y otras texturas en sus lienzos.

[1] Andrade, p 12.

 Alice Rahon

 

Hans Bellmer

Hans Bellmer ( Katowice, 1902 - París, 23 de febrero de 1975) fue un autor y fotógrafo surrealista de origen polaco que desarrolló su trabajo en Berlín y más tarde en París debido al nazismo.

Desde 1922 estuvo trabajando en arte y publicidad en Berlín. Cuando los nazis llegaron al poder en Alemania, en 1933, Bellmer decidió no hacer nada que pudiera serles útil. Entonces confeccionó su obra más conocida: la Muñeca. Se trata de una escultura que representa a tamaño casi real (1,40 m.) a una muchacha de cabellos morenos, desnuda y con calcetines, que parece una muñeca de niña ampliada, pero que tiene cuatro piernas y numerosas articulaciones para un único torso de mujer adulta. Es un objeto con pretensiones eróticas, una criatura artificial con múltiples posibilidades anatómicas, mediante la cual Bellmer intenta descubrir la mecánica del deseo y desenmascarar el inconsciente psíquico que nos gobierna. La escultura evoca también la emancipación femenina, y es también una denuncia del culto al cuerpo perfecto de moda en la Alemania nazi.

Bellmer es, evidentemente, rechazado por el III Reich, que calificaba a su arte de degenerado, y que veía en él lo que el autor, en efecto, quería: «un intento de provocar a la población para impulsarla a despertar».

Trasladado a París en 1938, fue acogido por los surrealistas, que reconocían en su Muñeca y en sus fotografías una nueva manera de abrir el espíritu de la sociedad a sus fantasmas inconscientees y de obligar al espectador a interrogarse sobre los sentimientos producidos en él por la obra de arte y sobre las relaciones con su propio cuerpo y todo lo que ello conlleva de hipocresía o de complejo.

Bellmer fue recluido en el Campo de Les Milles, en Provenza hasta 1940.

Aunque la Muñeca es su obra más innovadora y más conocida, continuó con sus trabajos sobre el erotismo, con abundantes dibujos y fotografías de esculturas-objetos.

Su trabajo servirá de influencia para artistas posteriores como Cindy Sherman, que trabajará también con muñecas haciendo una referencia a la mujer como objeto.

Recomendación del Mes (Noviembre 2014)

Espejo Negro 

Japón

México

Dirección: 

Eugenia Vargas

De: 

Tadashi Endo

Con: 

Eugenia Vargas

Malú Macareno

Aura Gómez Arreola

Ireli Vázquez

Espejo Negro surgió del diálogo entre Tadashi Endo y el Laboratorio Escénico Danza Teatro Ritual, a partir de la pregunta lanzada por el maestro: “¿qué es México?”.
Los integrantes de la compañía plantearon, desde la semilla simbólica de la palabra, el inicio de un viaje hacia el espejo negro, el espejo de obsidiana, una travesía en la que van acompañados por caligrafías japonesas que, misteriosas, los guían en medio del sueño.
Esta obra responde a la intención de crear una atmósfera onírica en la que prevalece la tiniebla como espacio íntimo y propicio para la encarnación de cuatro personajes femeninos, que transitan en la profundidad del sueño hacia el corazón de la noche.
La danza butoh ayudará a reponder finalmente la pregunta, a través del cuerpo.

Costo(s): 

$127.00