Ciclo Cine de Carnitas V
Viernes, 23 de agosto de 2019 de 19:00 a 23:30
Más información en https://www.facebook.com/events/863053327407529/?notif_t=plan_user_invited¬if_id=1565244427069437
jueves, 8 de agosto de 2019
sábado, 6 de julio de 2019
Recomendación del Mes (Julio 2019)
13° Remate de Libros de la Ciudad de México
El Gran Remante de Libros es una iniciativa conjunta
entre la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México y la Cámara Nacional de
la Industria Editorial Mexicana (CANIEM) que tiene el fin de beneficiar a la
población con la venta de libros a precios con descuentos de 50, 60, 70 por
ciento y más.
Del 12 al 21 de Julio
Monumento a la Revolución
Plaza de la República, S/N
Colonia Tabacalera
Cuauhtémoc
5592-2038
Entrada Libre
martes, 11 de junio de 2019
Recomendación del Mes (Junio 2019)
Sesión Fotográfica grupal con temática gótica.
Tres modelos
Dos horas y media para trabajar.
Costo: antes del 19 de junio $350, del 20 al día del evento
$450
lunes, 13 de mayo de 2019
Recomendación del Mes (Mayo 2019)
FECIBA
Ya está cerca el Primer Festival de Cine de Barrio en
Ciudad Neza.
Más información en:
lunes, 29 de abril de 2019
Joaquín Clausell
Pintor mexicano. Nacido en Campeche (México), en 1886 se
instaló en la ciudad de México donde estudió abogacía en la Escuela Nacional de
Jurisprudencia. Su activismo político le llevó primero a la cárcel y después al
destierro por diferentes lugares de Europa entre 1892 y 1895, lo que le
permitió adquirir un conocimiento directo del impresionismo. En este estilo
desarrolló la mayor parte de su obra, comenzada a partir de 1904 por influencia
del pintor Gerardo Murillo, Doctor Atl, junto al que llevó a cabo una
importante renovación de la pintura de paisaje en México. El paisaje marino fue
una de las novedades más interesantes de su producción, con obras como la
marina La ola verde de Cuyutlán. En las paredes de su propia casa, la antigua
residencia de los condes de Santiago de Calimaya, dejó un amplio repertorio
pictórico de sus inquietudes. Murió en 1935 tras un accidente junto a las
Lagunas de Zempoala.
lunes, 8 de abril de 2019
Recomendación del Mes (Abril 2019)
Tierra Beat Festival Internacional de Música y Acción Ambiental
Fiesta multidisciplinaria para toda la familia de música, artes escénicas, video mapping, exposiciones, talleres, mercado orgánico y stands informativos asociados al conocimiento del medio ambiente.
Sábado 27 de abril. 10:00 hrs.
Domingo 28 de abril. 10:00 hrs.
Parque Bicentenario
Av. 5 de mayo, 290
Colonia Tlaltenango
Miguel Hidalgo
miércoles, 27 de marzo de 2019
Cristina Iglesias
Cristina Iglesias nació en San Sebastián en 1956 en el
seno de una familia con grandes inquietudes culturales. Leía mucho y le gustaba
ir al cine y, aunque empezó a cursar la carrera de Ciencias Químicas, pronto se
dio cuenta que esa no era su verdadera vocación, lo que la llevó a abandonar la
facultad y a trasladarse a Barcelona para estudiar dibujo y cerámica entre 1977
y 1979.
Su pasión por las piezas tridimensionales comenzó cuando
empezó a trabajar el barro, pero la necesidad de encontrar nuevos lenguajes la
llevó a Londres para matricularse en la Chelsea School of Art. Fue precisamente
en Londres donde conoció al que se convertiría en su esposo, el escultor
madrileño Juan Muñoz. El matrimonio tuvo dos hijos, Lucía y Diego, y constituyó
un sólido tándem creativo hasta el repentino fallecimiento del artista, en
agosto del 2001.
Las obras de Cristina Iglesias reflejan, en general, un
vocabulario estético que está basado en el uso de diferentes materiales como
hormigón, alabastro, resina, hierro, o cristal que a veces se combinan con
motivos vegetales como el bambú o la hojarasca y diferentes técnicas que
delatan el interés de la artista por el espacio, la arquitectura, la literatura
y la geología.
Cristina Iglesias se dio a conocer en la primera mitad de
la década de los ochenta y su consagración internacional llegó en la década de
los noventa donde ya pudieron verse algunas de sus obras en prestigiosos en museos como la Kunsthalle
de Berna (Suiza), en la galería de la Universidad de York, en Toronto (Canadá),
en la Exposición Universal de Sevilla (1992), en el pabellón español de la
Bienal de Venecia, o en el Carnegie Institute, en Pittsburgh (Estados Unidos).
El Museo Guggenheim de Nueva York, por su parte, le dedicó una muestra en 1997,
que un año más tarde llevaría al Guggenheim de Bilbao, el Palacio de Velázquez
de Madrid y Chicago.
Tras nueve años de silencio Cristina Iglesias reapareció
en el año 2007 con su puerta escultura para la ampliación del Museo del Prado,
su primera obra pública en España.
En el 2013 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
alojó una exposición antológica, conformada por más de cincuenta piezas, que
supuso la mayor retrospectiva que se ha realizado hasta la fecha de esta
artista, desde sus inicios hasta la actualidad. Creaciones que generaron
sugerentes mundos ficticios y abandonan sus fines utilitarios para convertirse
en escenografías. Intersecciones entre lo natural y lo cultural, sombras,
cascadas, remolinos y follajes, en las que la idea de refugio resultó la metáfora
más recurrente.
Recientemente se ha inaugurado en Toledo el proyecto
“Tres Aguas” consistente en tres intervenciones urbanas con el agua como
elemento principal que, según la propia autora, nació con la intención de
volvernos a recordar que las tres culturas convivieron en paz y la obra
referencia «la memoria de la ciudad, la geología del lugar, la estratificación
de la cultura y del terreno con esos bajorrelieves que aparecen debajo de lo
que pisamos. Con un juego con el tiempo que marca el ritmo del mirar.
La Escultora donostiarra tiene obras en museos y
colecciones de todo el mundo; entre ellos, el Centro Nacional de Arte y de
Cultura Georges Pompidou de París, la Fundação Serralves de Oporto, el Solomon
R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museum and Sculture Garden de
Washington, D.C., el Irish Museum of Modern Art (IMMA) de Dublín, el Museo de
Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), el Museo de Arte Moderno (MoMA) de
Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid y
la Tate Gallery de Londres.
martes, 26 de febrero de 2019
Dimitri Shostakovich
Compositor soviético. Su
producción abarca todos los géneros: la ópera, la comedia musical, la sinfonía
a la miniatura para piano, la música concertante, la cantata, el cuarteto de
cuerda y la música para el cine. Autor prolífico, escribió un total de 147
números de opus, correspondientes muchos de ellos a obras que hoy se cuentan
entre las páginas más interpretadas y grabadas del repertorio.
Sin embargo, a pesar de ser
considerado, junto a Prokofiev, el compositor más representativo de la
desaparecida Unión Soviética, su carrera no fue fácil: premios y
condecoraciones -entre los que se contaban los Premios del Estado y Lenin y la
distinción de Artista del Pueblo-, se alternaban con continuas persecuciones y
condenas por parte del mismo régimen que lo laureaba, bajo la acusación de
realizar una música antipopular y en exceso moderna. Todo ello dejó su huella
en el estilo de sus últimas composiciones, caracterizadas por un tono amargo y
sombrío, así como también por una crudeza que contrasta con el espíritu jovial
y desenfadado de las primeras.
Nacido en el seno de una
familia en la cual la cultura ocupaba un lugar importante, Shostakovich recibió
sus primeras lecciones musicales de su madre, pianista profesional, a una edad
que se puede considerar relativamente tardía, los nueve años. Ante sus grandes
progresos, en 1919 ingresó en el Conservatorio de Leningrado, en donde tuvo
como principal maestro a Aleksandr Glazunov. Huérfano de padre desde 1922,
Shostakovich proseguía sus estudios al mismo tiempo que, para mantener a su
familia, tocaba en diversas salas de cine como pianista acompañante.
El estreno en 1926 de su
sorprendente Sinfonía núm. 1, escrita en ocasión de su graduación en el
conservatorio, atrajo inmediatamente sobre él la atención del mundo musical.
Las obras inmediatamente posteriores, como la ópera La nariz o el ballet La
edad de oro, no hicieron sino confirmar el talento de un joven compositor
especialmente dotado para la sátira.
La carrera ascendente de
Shostakovich sufrió un inesperado revés con el estreno en 1934 de su segunda
ópera, Lady Macbeth de Mtsensk: entusiásticamente recibida por el público,
tanto en Leningrado como en su posterior escenificación en Moscú, fue retirada
de cartel tras la aparición de una crítica en el diario oficial Pravda,
titulada Caos en lugar de música, en la que se acusaba al compositor de haber
escrito un «concierto de aullidos», ajeno a los presupuestos de la música
socialista, que debía ser clara y fácilmente asequible.
Se iniciaba así una larga y
contradictoria relación con el régimen estalinista: mientras en Occidente era
considerado el compositor oficial soviético, en su propio país Shostakovich
hubo de sufrir las injerencias de sus autoridades culturales, a pesar de lo
cual, y pese a su aparente aceptación tácita de los preceptos del realismo
socialista, consiguió mantener siempre su independencia creativa.
Los estrenos de la clásica
Sinfonía núm. 5 y, sobre todo, de la patriótica Sinfonía núm. 7 «Leningrado»,
símbolo de la lucha del pueblo ruso contra el invasor nazi, rehabilitaron a un
compositor que en 1948 volvió a ver de nuevo prohibida la ejecución de sus
obras bajo el estigma del formalismo.
Tras la muerte de
Stalin en 1953, la música de Shostakovich se hizo más personal, y se tradujo en
una larga serie de partituras presididas por la idea de la muerte. Es el caso
de las tres últimas sinfonías y de sus cuartetos de cuerda, un género que el
compositor convirtió en el medio idóneo en el que expresar sus preocupaciones y
miedos de una manera privada, sin necesidad de recurrir a máscaras o disfraces.
Su música, sobre todo la de estos años postreros, ha influido considerablemente
sobre la de sus compatriotas más jóvenes, como Alfred Schnittke o Edison
martes, 12 de febrero de 2019
Recomendación del Mes (Febrero 2019)
La talla en vidrio
Exposición temporal donde se recorrerá el proceso de
elaboración de objetos a través de la talla en vidrio y el grabado pipeteado de
David Guillén.
Museo de Arte Popular
Revillegigedo 11, Colonia Centro Histórico, Cuauhtémoc
55102201
Entrada general $60.00
Entrada libre a menores de 18 años, personas con
discapacidad, INAPAM, estudiantes, maestros y artesanos
Domingo entrada libre
Costo: De $30 a $60
martes, 29 de enero de 2019
L’Inferno (1911) el primer largometraje Italiano inspirado en La Divina Comedia de Dante Alighieri
Considerada una de las primera películas surrealistas en
la historia del cine y el primer largometraje de ficción del cine italiano,
“L’Inferno” de Francesco Bertolini, Giuseppe De Liguoro y Adolfo Padovan es una
pieza clave para el desarrollo del cine y su narrativa en los años en que el
cine se consolidaba en un sólido espectáculo de masas. Era un cine que
intentaba ir más allá que mostrar acontecimientos cotidianos como lo hacían
Méliès o Lumière en Francia. Esta vez, inspirado en historias dramáticas y de
ficción creadas por el cine indio de Phalke, y su historia de Raja
Harishchandra, el cine italiano desarrolla la obra basada en el poema de Dante
Alighieri, “La Divina Comedia”.
La película demoró más de 3 años en realizarse por un
grupo de más de 150 personas, su audición fue en el estadio italiano, lo que
hace presagiar su legado en torno al nacimiento e inició el género del cine
monumental italiano.
El concepto visual del film y estética están creados por
el artista visual Gustavo Doré encargado de realizar los grabados en escena.
Doré, fue un famoso ilustrador que trabajo en las obras literarias El Quijote
de la Mancha y El Cuervo de Edgar Allan Poe donde realizó la gráfica de las
obras. La película tiene maravillosos efectos especiales de la época creados e inspirados
en las obras del mago Méliès, con un fuerte contraste a nivel de imagen y mucha
oscuridad que provocaban terror en el publico.
La obra atemporal de Dante, permite que la película se
estructure de una forma narrativamente más informal dando más importancia al
espectáculo en sí que a la propia historia. Podemos ver conceptos que en los
primero años del cine son más experimentales, como la elipsis de tiempo, escala
de planos y algunos movimientos de cámara pero que en los próximos años pasarán
a ser herramientas claves para contar historias.
viernes, 11 de enero de 2019
Recomendación del Mes (Enero 2019)
Casa calabaza
Casa Calabaza es una obra escrita por María Elena Moreno
Márquez, presa en el penal de Santa Marta Acatitla por homicidio en relación de
parentesco. Es una obra autobiográfica en la que la autora narra su vida desde
la niñez y hasta el momento en el que es llevada por las autoridades para
cumplir una sentencia de 28 años.
Autor: María Elena Moreno Márquez
Director: Isael Almanza
Reparto: Erandeni Durán, Fátima Paola Arias, Patricia
Hernández, Gloria Castro, Mireya González Martínez y Alfredo Monsiváis
González.
Público: Adolescentes y adultos
Foro La Gruta
Avenida Revolución, 1500
Colonia Guadalupe Inn
Álvaro Obregón
(55) 4155 0900, (55) 4155 0901, (55) 4155 0919
Costo: $200. 30% Estudiantes, maestros e INAPAM
viernes, 28 de diciembre de 2018
George Ward
Zaragoza (España), 1971
De padre libanés y madre española, comienza los estudios
artísticos de dibujo y pintura a muy temprana edad.
Su fuente de inspiración se origina principalmente en la
mitología y la naturaleza, donde la entomología juega un importante papel.
Desde muy joven está profundamente influido por el arte
del próximo oriente, debido a sus numerosos viajes a esas tierras, sobre todo
por la estancia de un año en Siria. Los olores de las especias, los
adamascados, el singular cromatismo del país, todo juega un papel importante en
su pintura.
En 1985 recibe el premio en el 2º Certamen Juvenil
Aragonés de Artes Plásticas y, ese mismo año, su obra comienza a exponerse
asiduamente.
Tras culminar sus estudios en la Escuela de Artes de
Zaragoza, su afán de investigación le lleva a profundizar en numerosas
corrientes pictóricas, como el realismo o el surrealismo.
En varios de sus viajes a Londres visita la National
Gallery y la Royal Academy of Arts donde queda impresionado por la pintura
victoriana, concretamente la prerrafaelita, con autores como John William
Waterhouse, Sir Lawrence Alma Tadema y Dante Gabriel Rossetti entre otros.
Posteriormente se siente cautivado por los simbolistas, tras visitar los museos
deI Louvre y de Orsay en París , con pintores como Jules Joseph Lefebvre y
William Adolphe Bouguereau.
En una visita a Gante la fascinación del políptico La
adoración del Cordero Místico, de Jan van Eick, le conduce a realizar varios
tondos cuya ejecución le supone años de trabajo en cada pieza, donde aparecen
unas naturalezas de larga y compleja realización.
En el American Museum of Natural History de New York se
impregna del arte mural de los dioramas, que a su regreso a España le permiten
profundizar en el paisaje. Su fijación por los seres del mundo natural le lleva
a recrearse con pintores como Martin Johnson Heade, Pieter Brueghel, las flores
de la Escuela Napolitana y los ilustradores expedicionarios de José Celestino
Mutis principalmente.
Su temática navega entre la fantasía y la realidad,
invitándonos a asomarnos a una ventana desde la que poder contemplar realidades
paralelas a las nuestras. Sus obras configuran universos, mundos materializados
con sus propios códigos que nos muestran la pirámide de la vida y critican el
avance de los grandes hormigueros humanos del siglo XXI, revelándonos una realidad
que se nutre de la ficción y viceversa. Cada planta, cada insecto y cada
organismo representa un rol social, o acaso un ser real, que está estrechamente
relacionado con el día a día de nuestras vidas. Sus escenarios teatrales,
repletos de flora y fauna, muestran una atmósfera que enraíza con la sinestesia
de la imagen por medio de la simbiosis y donde la sugestión estética no está
por ello exenta de cierta crítica; un feedback que nos muestran paraísos llenos
de proporción áurea y biodiversidad, cargados de elementos simbolistas. Un
Imperio de los sentidos, lleno de composiciones coloristas, que nos habla de la
vida y de la muerte, en su continua transformación.
Su obra está presente en importantes colecciones de
ámbito internacional entre la que destaca la Colección Carmen
Thyssen-Bornemizsa.
lunes, 3 de diciembre de 2018
Recomendación del Mes (Diciembre 2018)
Impasse Tepepan
Impasse es un proyecto de fotografía realizado especialmente
para ser exhibido ante mujeres privadas de su libertad en el reclusorio femenil
de Tepepan.
Surge del taller de fotografía Moderna impartido por Juan
Meza en La pulquería Los Insurgentes.
Ademas Proyección del work in progress del Documental
Impasse, realizado en torno a este proyecto.
Pulqueria Los Insurgentes
Jueves 13 de Diciembre de 2018
Entrada libre
+18ID
martes, 27 de noviembre de 2018
Juan O'Gorman
Juan O'Gorman (6 de julio de
1905 – 18 de enero de 1982) fue un destacado pintor y arquitecto mexicano,
hermano del historiador Edmundo O'Gorman.
Nació en el barrio de Santa
Catarina, Coyoacán, en la Ciudad de México. Fue hijo del pintor irlandés Cecil
Crawford O'Gorman y de Encarnación O'Gorman Moreno, y hermano del historiador
Edmundo O'Gorman. En los años veinte, estudió arquitectura en la Academia de
San Carlos y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma
de México. Además, tuvo una representación de sus estudios.
Se convirtió en un
arquitecto destacado bajo la influencia de Le Corbusier y ayudó a introducir a
México la arquitectura funcionalista. En una etapa posterior, se percibe la
influencia de Frank Lloyd Wright y de su arquitectura orgánica. A lo largo de
su carrera, fue profesor en el Instituto Politécnico Nacional, donde creó la carrera
de ingeniero arquitecto.
En su carrera como
arquitecto, trabajó en grandes proyectos tales como el nuevo edificio del Banco
de México y diseñó/construyó 26 escuelas primarias en la Ciudad de México. En
Jardines del Pedregal de San Ángel, edificó, a principios de los años
cincuenta, su propia casa, una verdadera obra de arte que, lamentablemente, fue
demolida posteriormente. En la zona de San Ángel, O'Gorman diseñó y construyó
en 1931–1932 el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo para ambos
artistas.
Su obra pictórica más
celebrada mundialmente, por su creatividad, su técnica constructiva y sus
dimensiones, son los murales de cuatro mil metros cuadrados que recubren las
cuatro caras del edificio de la Biblioteca Central de la Ciudad Universitaria
de la UNAM, obra de Gustavo Saavedra y Juan Martínez. Estos murales son
mosaicos hechos con millones de piedras de colores obtenidas en muchos lugares
del país. El lado norte representa el pasado prehispánico; el sur, el colonial;
el muro oriente, el mundo contemporáneo, y el poniente, la universidad y el
México actual.
"A
la vez se preparó en uno de los pisos de acervos del edificio de la Biblioteca
en obra, una mesa especial de todo el largo del acervo de 48 metros, para hacer
sobre ella los precolados de concreto armado. Me transportaba a la obra en
bicicleta a las 7 de la mañana, llevando mi comida para trabajar durante todo
el día, y terminaba generalmente a las 9 ó 10 de la noche. Los domingos y días
de fiesta también trabajaba el mismo número de horas para acelerar la
terminación del mosaico en el menor tiempo posible"
Juan
O'Gorman
Como pintor, destacan las
obras donde plasmó en espacios públicos pasajes históricos y hechos diversos
bajo un estilo particular, donde agrupaba en un momento personajes y hechos
relacionados al tema de la obra, como lo hizo en los muros del Museo Nacional
de Historia en el Castillo de Chapultepec, en el Aeropuerto Internacional de la
Ciudad de México con La conquista del aire por el hombre o en el mural El
crédito transforma a México, recién trasladado a la Torre HSBC. O'Gorman
realizó también pintura de caballete. Fue miembro de la Academia de Artes a la
cual ingresó en 1971. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes en 1972.
Se suicido el 18 de enero de
1982, luego de estar sumido en una fuerte depresión desde el fallecimiento de
Frida Kahlo ocurrido en 1954, el ver arruinada su casa de avenida San Jerónimo,
la muerte de su amigo Max Cetto y al darse cuenta de que su hija adoptiva Bunny
ya no lo necesitaría. Existen tres versiones de su suicidio y probablemente las
tres sean ciertas; primero realizó una mezcla con las pinturas con las que
realizaba sus murales y se la bebió, se colgó de un árbol y posteriormente se
dio un disparo con su escopeta en la sien para finalmente caer ahorcado del
árbol; con él se extinguía el movimiento del muralismo mexicano del siglo XX.
Meses más tarde fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres de la
Ciudad de México.
viernes, 2 de noviembre de 2018
Recomendación del Mes (Noviembre 2018)
El Abuelo Banda
En los años 80 las calles de Ciudad Nezahualcoyotl estaban dominadas por violentas bandas juveniles quienes se disputaban territorios impidiendo así la libre circulación de barrio a barrio.
En los años 80 las calles de Ciudad Nezahualcoyotl estaban dominadas por violentas bandas juveniles quienes se disputaban territorios impidiendo así la libre circulación de barrio a barrio.
Un grupo de amigos, chavos
banda de entonces deciden organizar una tocada de rock en medio de estos
territorios con la intención de terminar con la ola de autodestrucción y
muerte.
Para esto deben adentrarse
en zonas hostiles y pedir el debido permiso a las bandas para realizar el
evento.
Estas no solo accedieron a
que se realice e ir en son de paz sino además hasta ofrecieron sus casas como
sede.
Aprovechando la fecha de día
de muertos , el 2 de noviembre y como pretexto para rendir homenaje a los
jóvenes muertos en las calles bautizaron al evento como Ofrenda inaugurando una
tradición cultural independiente que sigue al día de hoy 32 años después
habiendo convocado más de treinta mil personas en su trayectoria.
Convirtiéndose en un ejemplo
seguro de resistencia civil e independencia.
Un documental de Juan Meza
Miércoles 7 de noviembre /
7PM / Entrada libre / +18ID
Expendio de Pulques Finos Los
Insurgentes
Insurgentes sur 226. Col.
Roma.
jueves, 18 de octubre de 2018
jueves, 4 de octubre de 2018
Recomendación del Mes (Octubre 2018)
Concierto en Homenaje a las Víctimas del Movimiento
Estudiantil de 1968
Este concierto es una actividad clave dentro de las
jornadas académicas y culturales: la imaginación al poder, que llevará a cabo
la Universidad Autónoma Metropolitana, donde se busca dar cuenta de un panorama
cultural, político, social y artístico en el que se desarrolló el movimiento
estudiantil de 1968. Una aproximación multidisciplinaria a dicho movimiento con
una visión actual.
Con la participación de la Orquesta de Cámara de Bellas
Artes (OCBA-INBA); José Luis Castillo, Director; Abdiel Vázquez, piano. Obras:
Postludio, Joaquín Gutiérrez Heras; Concierto para piano, Manuel M. Ponce;
Rakastava, Op. 14, Jean Bibelius; Estampas nocturnas, Manuel M. Ponce.
Viernes 5 de octubre, 20:00 hrs.
Sala Silvestre Revueltas
Periférico Sur, 5141
Colonia Isidro Fabela
Tlalpan
56068191
Entrada libre
viernes, 21 de septiembre de 2018
Giotto di Bondone
Giotto di Bondone nace en
torno a 1267 al Norte de Florencia, en la aldea de Vicchio. Era hijo de un
campesino y durante su infancia fue pastor.
Los datos que conocemos
sobre su vida no son muy fiables, ya que la información que poseemos se debe a
las crónicas de sus contemporáneos. No sabemos con exactitud ni la fecha de su
nacimiento, ni cuáles fueron sus maestros, ni la datación de muchas de sus
obras.
Fue discípulo del pintor
florentino Cimabue, que era el artista más conocido de la época. Sus biógrafos
relatan, que en ocasiones, cuando Giotto cuidaba de sus ovejas, dedicaba parte
de su tiempo a dibujarlas. Un día, Cimabue pasó por allí y quedó tan
impresionado con el talento natural de Giotto, que decidió llevárselo con él
para ejercitarlo en el arte de la pintura.
Sus primeros años de
aprendizaje transcurrieron en el taller de Cimabue, y pronto comenzó a recibir
sus propios encargos, la mayoría eran trabajos religiosos.
Las primeras obras que se le
atribuyen son dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. La
orden franciscana quería rendir homenaje con su iglesia al santo fundador.
En el primer ciclo, en la
parte alta de las paredes del templo desarrolla temas bíblicos, y en la parte
inferior de los muros, escenas de la vida de San Francisco de Asís.
Se tratan de veintiocho
episodios de la vida del santo, escenas de su vocación, sus milagros y
predicaciones, sus retiros de penitencia, las relaciones con sus compañeros, su
muerte y los diversos milagros logrados por su intercesión. En todas ellas, las
figuras expresan la agitación espiritual que les produce la presencia de la
santidad de San Francisco.
Giotto crea escenas
verosímiles donde las figuras se insertan de forma natural a través de
arquitecturas o de un paisaje abierto, en el lugar donde transcurren los
acontecimientos narrados. Individualiza, además, a los personajes con características
y rasgos propios.
El arte de Giotto fue
extremadamente innovador. Representó a la figura humana con líneas amplias y
redondeadas, en perspectiva, y abandonó la figura plana y bidimensional de los
estilos gótico y bizantino. La dotó de volumen, peso y naturalismo, lo que indica
una mayor preocupación por el naturalismo.
Su manera de representar el
espacio de manera realista, supone un paso adelante en la historia de la
pintura y hace que se le considere como a uno de los primeros artistas que
contribuyen a la creación del Renacimiento italiano. Sus obras fueron el punto
de inflexión entre el arte bizantino de la Baja Edad Media y el realista y
humanista que floreció en el Renacimiento.
Sus composiciones son de
profunda emotividad, capta personajes en crisis, bajo presión o tomando
gravísimas decisiones espirituales.
Viajó por casi toda Italia y
fue solicitado por los personajes más poderosos del momento, príncipes, altos
dignatarios eclesiásticos, mercaderes, banqueros y comerciantes.
Los frescos para la Capilla
de los Scrovegni, en Papua, son el punto culminante de su madurez artística. Al
edificio también se le ha llamado Capilla de la Arena, ya que está construido
sobre las ruinas de una arena o anfiteatro.
Los frescos, que cubren por
completo la única nave de la capilla, muestran representaciones del Juicio
Final, La Anunciación, escenas de la Virgen y sus padres y de la vida de
Cristo.
En el fresco del Juicio
Final, sitúa la enorme figura de Dios en el centro de la composición y compara
las imágenes de los condenados con las de los bienaventurados.
Giotto pintó, por debajo de
las escenas de la vida de Cristo, catorce alegorías de Vicios y Virtudes. Los
Vicios están en relación con la parte izquierda de la pintura del Juicio Final,
donde se representa a los pecadores condenados al infierno, y las Virtudes con
la parte derecha, en la que aparecen los bienaventurados. El mensaje que quiere
darnos es que los vicios conducen al infierno y las virtudes a la salvación.
En La deposición de Cristo,
situado en la pared norte de la capilla, plasma un drama conmovedor y real. Los
santos muestran su dolor, la madre agarra el cadáver contra su cuerpo de forma
trágica, María Magdalena, con los ojos llenos de lágrimas, sujeta sus pies y
San Juan, aparece con gran gesto de dolor. Un árbol solitario y sin hojas en la
colina del fondo, sugiere el horror de la muerte.
En El Beso de Judas, Giotto
organiza la emoción de toda la escena en torno a la imagen central, donde se
encuentran el traidor y el traicionado. Los rostros tienen gran importancia, ya
que a través de la expresión facial de los personajes expresa la emoción humana
Realizó también las pinturas
de la basílica de la Santa Cruz en Florencia. En la capilla Peruzzi representa
la vida de San Juan Bautista y de San Juan Evangelista. En la capilla Bardi,
escenas de San Francisco de Asís.
Otras obras son la Madonna
de Ognissanti, también llamada Virgen Entronizada, de gran humanidad y el
crucifijo de la Iglesia de Santa María Novella en Florencia.
El último encargo que
recibió, hacia 1334, fue la dirección de los trabajos de la catedral de
Florencia y de las obras urbanísticas de la ciudad. En esta última etapa de su
vida, Giotto diseñó el famoso campanile (campanario) de la catedral de
Florencia, pero no lo pudo ver terminado ya que falleció el 8 de enero de 1337.
sábado, 1 de septiembre de 2018
Recomendación del Mes (Septiembre 2018)
Tapa Rock
Tu donación es tu acceso:
*Trae 50 taparroscas (que ayudaran a financiar quimio terapias)
o
*Dona tu cabello (que será utilizado para fabricar
pelucas para los niños en tratamiento) con un largo mínimo de 25cm, sin
entintar y en el mejor estado posible.
9 de septiembre
Multiforo Tlalpan
12 hrs.
miércoles, 22 de agosto de 2018
Heinrich Schliemann
La formación a veces no es lo más importante. Sino que se
lo pregunten a Heinrich Schielmann, un viajero nacido en 1822 que puede
presumir de haber descubierto la ciudad de Troya. La ambición y las numerosas
pistas del histórico libro “La Iliada” fueron dos aspectos fundamentales para
poder conseguir su objetivo: transformar una leyenda en uno de los
descubrimientos más importantes de la historia.
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