viernes, 28 de diciembre de 2018

George Ward


Zaragoza (España), 1971

De padre libanés y madre española, comienza los estudios artísticos de dibujo y pintura a muy temprana edad.

Su fuente de inspiración se origina principalmente en la mitología y la naturaleza, donde la entomología juega un importante papel.

Desde muy joven está profundamente influido por el arte del próximo oriente, debido a sus numerosos viajes a esas tierras, sobre todo por la estancia de un año en Siria. Los olores de las especias, los adamascados, el singular cromatismo del país, todo juega un papel importante en su pintura.

En 1985 recibe el premio en el 2º Certamen Juvenil Aragonés de Artes Plásticas y, ese mismo año, su obra comienza a exponerse asiduamente.

Tras culminar sus estudios en la Escuela de Artes de Zaragoza, su afán de investigación le lleva a profundizar en numerosas corrientes pictóricas, como el realismo o el surrealismo.

En varios de sus viajes a Londres visita la National Gallery y la Royal Academy of Arts donde queda impresionado por la pintura victoriana, concretamente la prerrafaelita, con autores como John William Waterhouse, Sir Lawrence Alma Tadema y Dante Gabriel Rossetti entre otros. Posteriormente se siente cautivado por los simbolistas, tras visitar los museos deI Louvre y de Orsay en París , con pintores como Jules Joseph Lefebvre y William Adolphe Bouguereau.

En una visita a Gante la fascinación del políptico La adoración del Cordero Místico, de Jan van Eick, le conduce a realizar varios tondos cuya ejecución le supone años de trabajo en cada pieza, donde aparecen unas naturalezas de larga y compleja realización.

En el American Museum of Natural History de New York se impregna del arte mural de los dioramas, que a su regreso a España le permiten profundizar en el paisaje. Su fijación por los seres del mundo natural le lleva a recrearse con pintores como Martin Johnson Heade, Pieter Brueghel, las flores de la Escuela Napolitana y los ilustradores expedicionarios de José Celestino Mutis principalmente.

Su temática navega entre la fantasía y la realidad, invitándonos a asomarnos a una ventana desde la que poder contemplar realidades paralelas a las nuestras. Sus obras configuran universos, mundos materializados con sus propios códigos que nos muestran la pirámide de la vida y critican el avance de los grandes hormigueros humanos del siglo XXI, revelándonos una realidad que se nutre de la ficción y viceversa. Cada planta, cada insecto y cada organismo representa un rol social, o acaso un ser real, que está estrechamente relacionado con el día a día de nuestras vidas. Sus escenarios teatrales, repletos de flora y fauna, muestran una atmósfera que enraíza con la sinestesia de la imagen por medio de la simbiosis y donde la sugestión estética no está por ello exenta de cierta crítica; un feedback que nos muestran paraísos llenos de proporción áurea y biodiversidad, cargados de elementos simbolistas. Un Imperio de los sentidos, lleno de composiciones coloristas, que nos habla de la vida y de la muerte, en su continua transformación.

Su obra está presente en importantes colecciones de ámbito internacional entre la que destaca la Colección Carmen Thyssen-Bornemizsa.




lunes, 3 de diciembre de 2018

Recomendación del Mes (Diciembre 2018)


Impasse Tepepan

Impasse es un proyecto de fotografía realizado especialmente para ser exhibido ante mujeres privadas de su libertad en el reclusorio femenil de Tepepan.

Surge del taller de fotografía Moderna impartido por Juan Meza en La pulquería Los Insurgentes.

Ademas Proyección del work in progress del Documental Impasse, realizado en torno a este proyecto.

Pulqueria Los Insurgentes
Jueves 13 de Diciembre de 2018
Entrada libre
+18ID


martes, 27 de noviembre de 2018

Juan O'Gorman


Juan O'Gorman (6 de julio de 1905 – 18 de enero de 1982) fue un destacado pintor y arquitecto mexicano, hermano del historiador Edmundo O'Gorman.
Nació en el barrio de Santa Catarina, Coyoacán, en la Ciudad de México. Fue hijo del pintor irlandés Cecil Crawford O'Gorman y de Encarnación O'Gorman Moreno, y hermano del historiador Edmundo O'Gorman. En los años veinte, estudió arquitectura en la Academia de San Carlos y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México. Además, tuvo una representación de sus estudios.
Se convirtió en un arquitecto destacado bajo la influencia de Le Corbusier y ayudó a introducir a México la arquitectura funcionalista. En una etapa posterior, se percibe la influencia de Frank Lloyd Wright y de su arquitectura orgánica. A lo largo de su carrera, fue profesor en el Instituto Politécnico Nacional, donde creó la carrera de ingeniero arquitecto.
En su carrera como arquitecto, trabajó en grandes proyectos tales como el nuevo edificio del Banco de México y diseñó/construyó 26 escuelas primarias en la Ciudad de México. En Jardines del Pedregal de San Ángel, edificó, a principios de los años cincuenta, su propia casa, una verdadera obra de arte que, lamentablemente, fue demolida posteriormente. En la zona de San Ángel, O'Gorman diseñó y construyó en 1931–1932 el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo para ambos artistas.
Su obra pictórica más celebrada mundialmente, por su creatividad, su técnica constructiva y sus dimensiones, son los murales de cuatro mil metros cuadrados que recubren las cuatro caras del edificio de la Biblioteca Central de la Ciudad Universitaria de la UNAM, obra de Gustavo Saavedra y Juan Martínez. Estos murales son mosaicos hechos con millones de piedras de colores obtenidas en muchos lugares del país. El lado norte representa el pasado prehispánico; el sur, el colonial; el muro oriente, el mundo contemporáneo, y el poniente, la universidad y el México actual.

"A la vez se preparó en uno de los pisos de acervos del edificio de la Biblioteca en obra, una mesa especial de todo el largo del acervo de 48 metros, para hacer sobre ella los precolados de concreto armado. Me transportaba a la obra en bicicleta a las 7 de la mañana, llevando mi comida para trabajar durante todo el día, y terminaba generalmente a las 9 ó 10 de la noche. Los domingos y días de fiesta también trabajaba el mismo número de horas para acelerar la terminación del mosaico en el menor tiempo posible"
Juan O'Gorman


Como pintor, destacan las obras donde plasmó en espacios públicos pasajes históricos y hechos diversos bajo un estilo particular, donde agrupaba en un momento personajes y hechos relacionados al tema de la obra, como lo hizo en los muros del Museo Nacional de Historia en el Castillo de Chapultepec, en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México con La conquista del aire por el hombre o en el mural El crédito transforma a México, recién trasladado a la Torre HSBC. O'Gorman realizó también pintura de caballete. Fue miembro de la Academia de Artes a la cual ingresó en 1971. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes en 1972.
Se suicido el 18 de enero de 1982, luego de estar sumido en una fuerte depresión desde el fallecimiento de Frida Kahlo ocurrido en 1954, el ver arruinada su casa de avenida San Jerónimo, la muerte de su amigo Max Cetto y al darse cuenta de que su hija adoptiva Bunny ya no lo necesitaría. Existen tres versiones de su suicidio y probablemente las tres sean ciertas; primero realizó una mezcla con las pinturas con las que realizaba sus murales y se la bebió, se colgó de un árbol y posteriormente se dio un disparo con su escopeta en la sien para finalmente caer ahorcado del árbol; con él se extinguía el movimiento del muralismo mexicano del siglo XX. Meses más tarde fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres de la Ciudad de México.


viernes, 2 de noviembre de 2018

Recomendación del Mes (Noviembre 2018)

El Abuelo Banda

En los años 80 las calles de Ciudad Nezahualcoyotl estaban dominadas por violentas bandas juveniles quienes se disputaban territorios impidiendo así la libre circulación de barrio a barrio.
Un grupo de amigos, chavos banda de entonces deciden organizar una tocada de rock en medio de estos territorios con la intención de terminar con la ola de autodestrucción y muerte.
Para esto deben adentrarse en zonas hostiles y pedir el debido permiso a las bandas para realizar el evento.
Estas no solo accedieron a que se realice e ir en son de paz sino además hasta ofrecieron sus casas como sede.
Aprovechando la fecha de día de muertos , el 2 de noviembre y como pretexto para rendir homenaje a los jóvenes muertos en las calles bautizaron al evento como Ofrenda inaugurando una tradición cultural independiente que sigue al día de hoy 32 años después habiendo convocado más de treinta mil personas en su trayectoria.
Convirtiéndose en un ejemplo seguro de resistencia civil e independencia.

Un documental de Juan Meza

Miércoles 7 de noviembre / 7PM / Entrada libre / +18ID
Expendio de Pulques Finos Los Insurgentes
Insurgentes sur 226. Col. Roma.




jueves, 4 de octubre de 2018

Recomendación del Mes (Octubre 2018)


Concierto en Homenaje a las Víctimas del Movimiento Estudiantil de 1968

Este concierto es una actividad clave dentro de las jornadas académicas y culturales: la imaginación al poder, que llevará a cabo la Universidad Autónoma Metropolitana, donde se busca dar cuenta de un panorama cultural, político, social y artístico en el que se desarrolló el movimiento estudiantil de 1968. Una aproximación multidisciplinaria a dicho movimiento con una visión actual.

Con la participación de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes (OCBA-INBA); José Luis Castillo, Director; Abdiel Vázquez, piano. Obras: Postludio, Joaquín Gutiérrez Heras; Concierto para piano, Manuel M. Ponce; Rakastava, Op. 14, Jean Bibelius; Estampas nocturnas, Manuel M. Ponce.

Viernes 5 de octubre, 20:00 hrs.

Sala Silvestre Revueltas
Periférico Sur, 5141
Colonia Isidro Fabela
Tlalpan
56068191

Entrada libre


viernes, 21 de septiembre de 2018

Giotto di Bondone

Giotto di Bondone nace en torno a 1267 al Norte de Florencia, en la aldea de Vicchio. Era hijo de un campesino y durante su infancia fue pastor.
Los datos que conocemos sobre su vida no son muy fiables, ya que la información que poseemos se debe a las crónicas de sus contemporáneos. No sabemos con exactitud ni la fecha de su nacimiento, ni cuáles fueron sus maestros, ni la datación de muchas de sus obras.
Fue discípulo del pintor florentino Cimabue, que era el artista más conocido de la época. Sus biógrafos relatan, que en ocasiones, cuando Giotto cuidaba de sus ovejas, dedicaba parte de su tiempo a dibujarlas. Un día, Cimabue pasó por allí y quedó tan impresionado con el talento natural de Giotto, que decidió llevárselo con él para ejercitarlo en el arte de la pintura.
Sus primeros años de aprendizaje transcurrieron en el taller de Cimabue, y pronto comenzó a recibir sus propios encargos, la mayoría eran trabajos religiosos.
Las primeras obras que se le atribuyen son dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. La orden franciscana quería rendir homenaje con su iglesia al santo fundador.
En el primer ciclo, en la parte alta de las paredes del templo desarrolla temas bíblicos, y en la parte inferior de los muros, escenas de la vida de San Francisco de Asís.
Se tratan de veintiocho episodios de la vida del santo, escenas de su vocación, sus milagros y predicaciones, sus retiros de penitencia, las relaciones con sus compañeros, su muerte y los diversos milagros logrados por su intercesión. En todas ellas, las figuras expresan la agitación espiritual que les produce la presencia de la santidad de San Francisco.
Giotto crea escenas verosímiles donde las figuras se insertan de forma natural a través de arquitecturas o de un paisaje abierto, en el lugar donde transcurren los acontecimientos narrados. Individualiza, además, a los personajes con características y rasgos propios.
El arte de Giotto fue extremadamente innovador. Representó a la figura humana con líneas amplias y redondeadas, en perspectiva, y abandonó la figura plana y bidimensional de los estilos gótico y bizantino. La dotó de volumen, peso y naturalismo, lo que indica una mayor preocupación por el naturalismo.
Su manera de representar el espacio de manera realista, supone un paso adelante en la historia de la pintura y hace que se le considere como a uno de los primeros artistas que contribuyen a la creación del Renacimiento italiano. Sus obras fueron el punto de inflexión entre el arte bizantino de la Baja Edad Media y el realista y humanista que floreció en el Renacimiento.
Sus composiciones son de profunda emotividad, capta personajes en crisis, bajo presión o tomando gravísimas decisiones espirituales.
Viajó por casi toda Italia y fue solicitado por los personajes más poderosos del momento, príncipes, altos dignatarios eclesiásticos, mercaderes, banqueros y comerciantes.
Los frescos para la Capilla de los Scrovegni, en Papua, son el punto culminante de su madurez artística. Al edificio también se le ha llamado Capilla de la Arena, ya que está construido sobre las ruinas de una arena o anfiteatro.
Los frescos, que cubren por completo la única nave de la capilla, muestran representaciones del Juicio Final, La Anunciación, escenas de la Virgen y sus padres y de la vida de Cristo.
En el fresco del Juicio Final, sitúa la enorme figura de Dios en el centro de la composición y compara las imágenes de los condenados con las de los bienaventurados.
Giotto pintó, por debajo de las escenas de la vida de Cristo, catorce alegorías de Vicios y Virtudes. Los Vicios están en relación con la parte izquierda de la pintura del Juicio Final, donde se representa a los pecadores condenados al infierno, y las Virtudes con la parte derecha, en la que aparecen los bienaventurados. El mensaje que quiere darnos es que los vicios conducen al infierno y las virtudes a la salvación.
En La deposición de Cristo, situado en la pared norte de la capilla, plasma un drama conmovedor y real. Los santos muestran su dolor, la madre agarra el cadáver contra su cuerpo de forma trágica, María Magdalena, con los ojos llenos de lágrimas, sujeta sus pies y San Juan, aparece con gran gesto de dolor. Un árbol solitario y sin hojas en la colina del fondo, sugiere el horror de la muerte.
En El Beso de Judas, Giotto organiza la emoción de toda la escena en torno a la imagen central, donde se encuentran el traidor y el traicionado. Los rostros tienen gran importancia, ya que a través de la expresión facial de los personajes expresa la emoción humana
Realizó también las pinturas de la basílica de la Santa Cruz en Florencia. En la capilla Peruzzi representa la vida de San Juan Bautista y de San Juan Evangelista. En la capilla Bardi, escenas de San Francisco de Asís.
Otras obras son la Madonna de Ognissanti, también llamada Virgen Entronizada, de gran humanidad y el crucifijo de la Iglesia de Santa María Novella en Florencia.

El último encargo que recibió, hacia 1334, fue la dirección de los trabajos de la catedral de Florencia y de las obras urbanísticas de la ciudad. En esta última etapa de su vida, Giotto diseñó el famoso campanile (campanario) de la catedral de Florencia, pero no lo pudo ver terminado ya que falleció el 8 de enero de 1337. 




sábado, 1 de septiembre de 2018

Recomendación del Mes (Septiembre 2018)


Tapa Rock
Tu donación es tu acceso:
*Trae 50 taparroscas (que ayudaran a financiar quimio terapias) o
*Dona tu cabello (que será utilizado para fabricar pelucas para los niños en tratamiento) con un largo mínimo de 25cm, sin entintar y en el mejor estado posible.
9 de septiembre
Multiforo Tlalpan
12 hrs.


miércoles, 22 de agosto de 2018

Heinrich Schliemann


La formación a veces no es lo más importante. Sino que se lo pregunten a Heinrich Schielmann, un viajero nacido en 1822 que puede presumir de haber descubierto la ciudad de Troya. La ambición y las numerosas pistas del histórico libro “La Iliada” fueron dos aspectos fundamentales para poder conseguir su objetivo: transformar una leyenda en uno de los descubrimientos más importantes de la historia.




lunes, 6 de agosto de 2018

Recomendación del Mes (Agosto 2018)


Caminos recorridos. Cuatro proyectos

El autor de Caminos recorridos. Cuatro proyectos es conocido por su interés en retratar la geografía humana de México. En los extensos recorridos que emprende, Eniac Martínez elige temas vinculados con el constante movimiento, el flujo de vida y muerte, la construcción y destrucción, necesarios para mirar y reflexionar.
Para la exhibición Caminos recorridos. Cuatro proyectos, Eniac Martínez seleccionó los materiales junto con la Directora del Museo Archivo de la Fotografía, Carmen Tostado, y se involucró personalmente en el trabajo de edición e impresión de las fotografías. “Es importante saber cómo se comportarán las imágenes en sus diferentes tamaños y formatos. Cien fotos buenas no hacen un buen libro, lo que hace un buen libro es la edición y el sentido”, afirma.

Del 5 de julio al 16 de septiembre

Museo Archivo de la Fotografía
Guatemala, 34, Colonia Centro Histórico, Cuauhtémoc.
17193062, 17193000 ext 2152

Entrada libre



sábado, 28 de julio de 2018

Flor Garduño


Realizó estudios de artes visuales en la Antigua Academia de San Carlos, de la UNAM.1​ Interrumpió sus estudios después de tres años a favor de una posición de asistente de cuarto oscuro,​ del veterano y muy respetado fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo. Con el maestro, fue capaz de desarrollar y perfeccionar sus habilidades adquiridas. Luego trabajaría con el Ministerio de Educación de México, para el que proporcionó fotografías para libros de texto, enriqueciendo el conocimiento de su tierra y la vida de la gente; y recibiendo muchas sugerencias para su trabajo futuro y su estilo fotográfico acuñado. En 1982 tuvo su primera exposición en la Ciudad de México.
En 1985, y animada por el entusiasmo y apoyo del pintor Francisco Toledo, publicó su primer libro. Otras publicaciones y numerosas exposiciones en poco tiempo la hicieron conocida fuera de las fronteras. En 1993, se dedicó a la revista suiza DU. Con el siguiente libro Witness of Time que tuvo un éxito rotundo. Fue traducido a cinco idiomas. Y le permitió programar una extensa gira internacional de exposición a través de más de cuarenta países de América y Europa. En 1995, recibió una beca de tres años para su nuevo "Proyecto Mesteños". En esa serie de imágenes de Flor Garduño muestra animales y personas de su entorno natural. Ella consiguió el trabajo un año después, para la Casa del arte de Zúrich, realizando 2.000 fotografías de la ciudad; y, un documental biográfico sobre ellas.
Desde finales de 1980, su obra se muestra en exposiciones, galerías y museos. La artista ha recibido numerosos premios, becas y galardones por su trabajo. Vive y trabaja en Tepoztlán, México.
Ha trabajado asiduamente en naturaleza muerta, retratos, y desnudos como foco de su arte. Sus imágenes están en escala de grises.
El uso de la luz y de la sombra, sin el uso de luz artificial y el equilibrio de la composición, determina el trabajo artístico de la artista. Eso le permite ver una llanura virgen llena de símbolos arquetípicos. Sus imágenes reflejan una forma de arte que se pueden encontrar en el ritual y en la naturaleza del espacio y el tiempo. Ella sabe cómo capturar la cultura de su país y al mismo tiempo para explorar su propio mundo interior fotográficamente y la fusión de ambas en su trabajo.




martes, 10 de julio de 2018

Recomendación del Mes (Julio 2018)


Arquitectos de la Revolución
Curaduria: Dr. Leopoldo Rodríguez Morales
La exposición "Arquitectos de la Revolución" tiene como premisa la arquitectura previa a la Revolución Mexicana así como los movimientos que se gestaron posteriormente tales como el art nouveau, el art decó, el neo colonial, el nacionalismo y la modernidad con Carlos Obregón Santacilia; en ese sentido la muestra destaca el Monumento a la Revolución, mismo que originalmente se concibió como un palacio legislativo. La que sería la obra cumbre del porfiriato encargada al arquitecto francés Émile Bénard, paradójicamente se convirtió en el símbolo de la Revolución Mexicana en manos del arquitecto Carlos obregón Santacilia y acaso, uno de los símbolos arquitectónicos más representativos de nuestra ciudad. La muestra contempla la exhibición de fotografías, planos, maquetas entre otras piezas.


Museo Nacional de la Revolución
Plaza de la República, s/n
Colonia Tabacalera
Cuauhtémoc
55462115 y 55661902
Hasta agosto 2018


viernes, 22 de junio de 2018

Jean Charlot


JEAN CHARLOT (PARIS 1898-HONOLULU 1979)
Según Bertram D Wolfe (el biógrafo de Diego Rivera) Jean Charlot era un francés de rostro fino, culto, de gafas, con un poco de sangre judía y mexicana en la venas Aunque la técnica del francés le atraían, sentirse más a gusto haciendo pequeños dibujos, grabados en madera y pinturas Sutil, erudito, hábil en la deformación expresiva, impregnaba cada una de sus obras con un sentido cerebral de investigación estética, triunfando a menudo en la solución de los problemas, que a sí mismo se imponía, con sorprendente talento Wolfe vio a Charlot como un devoto católico, con un toque de delicado misticismo en su credo, siendo raro que hubiera podido trabajar amistosa y fraternalmente con un conjunto de jacobinos como el construido por Diego Rivera, Amado de la Cueva, Xavier Guerrero y David Alfaro Siqueiros El punto de contacto con ellos debió ser su admiración por el pueblo humilde, por las mujeres de servicio y los cargadores, cuyas labores se complacía en representar monumentalmente en una pequeña circunferencia, y también un anticlericalismo de cristiano primitivo
Por su parte Siqueiros, al contarle a Julio Scherer los primeros problemas del muralismo mexicano, cuando los monumentalistas en cierne se preguntaban en qué consistía la pintura al fresco, apareció el gabachito Jean Charlot que algo sabía del procedimiento llamado fresco por haber sido alumno de la escuela de pintura de Fontainnebleau Pero lo que el catolicón Jean Charlot recordaba de esa receta era muy poco Siqueiros lo recordaba con “su aire de seminarista cachondo”, haciendo esfuerzos para demostrar que la revolución mexicana cabía entera dentro del catolicismo “Nada de nuestro programa humano podía ser condenado por el Papa, ni siquiera la violencia, pues nada había habido más violento que el catolicismo en su lucha ideológica El sindicalismo, decía, mereció la bendición de León XIII y este pontífice era el mejor amigo que había tenido la clase trabajadora El catolicismo era universalista, ni más ni menos como pretendía serlo la Internacional Comunista Las disgresiones ideológicas de Charlot se mezclaban con frecuentes remordimientos Después de firmar los manifiestos del Sindicato (el de Obreros Técnicos Pintores y Escultores), por regla general se confesaba con los padres franceses del Colegio Franco-Inglés”
Pintor, grabador, muralista, maestro y escritor, Jean Charlot participó en los inicios del movimiento muralista mexicano y también en el establecimiento de las bases para una producción gráfica de nuevo tipo en México Nieto de mexicana, nació en París y ahí estudió artes plásticas Combatió en la primera guerra mundial, donde alcanzó el grado de teniente de artillería Formó parte del grupo que encabezaba Jacques Maritain En 1921, invitado por la familia Martínez del Campo, parientes suyos, llegó a México Fue Fernando Leal quien lo vinculó con los entonces pujantes Centros Popular de Pintura y las que todavía (como en 1913) se llamaban Escuelas al Aire Libre En 1922 Jean Charlot inició en la práctica del grabado en madera y la litografía a Francisco Díaz de León, Gabriel Fernández Ledesma, Fernando Leal, Alva de la Canal, Emilio Amero y otros, grupo precursor al que México le debe no sólo una producción artística de altura y la enseñanza de los diversos procedimientos para grabar, sino numerosos redescubrimientos, investigaciones, publicación y promociones de valor principalísimos para la historia de la cultura nacional
Debido a sus conocimientos de la pintura al fresco, Charlot fue incorporado al grupo que pintaba en la Escuela Nacional Preparatoria Primero fue ayudante de Diego Rivera en el Anfiteatro Bolivar Poco después pintó en la misma Preparatoria el tablero La Conquista de Tenochtitlán En 1923, invitado por Rivera, pinta en la planta baja de la Secretaría de Educación Pública el tablero Lavanderas Otro tablero sobre danzas mexicanas le disgustó a Diego y lo mandó picar Lo mismo hizo con trabajos de varios ayudantes suyos
En 1924 Charlot trabajó seis xilografías en madera de hilo para ilustrar el libro Urbe, de Manuel Maples Arce En 1925 fue nombrado director artístico de la revista Mexican Folkways Ahí publicó dos célebres artículos que modificaron la historia del arte mexicano: uno sobre Manuel Manilla y otros sobre José Guadalupe Posada Durante los nueve años que residió en este país, hizo investigaciones estéticas en terrenos casi inexplorados, México le debe a Jean Charlot el haber mirado con ojo de esteta muchos de los fenómenos artísticos que habían pasado inadvertidos inclusive para los que, hasta su llegada, se ocupaban de los productos artísticos En 1926 descubrió en Manuel manilla una imagen muy personal, hecha con ingenuidad voluntaria y sabiduría humilde; lo consideró un buen artesano, con calidad humano que, sin saberlo, hacía obra social De la obra de Posada consideraba como lo más raro y exquisito sus grabados en madera, pues en ellos un artista con interés en lo humano demostraba la máxima maestría En un temprano artículo aparecido en la revista Forma, Charlot decía que no hay ningún misterio en el arte, y que un microscopio creado para rendir utilidad, se vuelve cosa estética lo horrible del ojo ciego, afirmaba, está solamente en su inutilidad El arte empieza cuando la cultura es vehículo de ideas grandes que van más allá del goce egoísta, que unen a los hombres entre sí, los elevan y los preparan para las acciones necesarias Entusiasmado escribió en los tempranos veintes que el México de ese tiempo era estéticamente igual a Pompeya
Durante 1927-1928, invitado por el arqueólogo Sylvanus G Morley realizó el registro dibujístico de las excavaciones que se efectuaban en esos años en Chichén Itzá bajo el patrocinio de la Fundación Carnegie En 1929 se trasladó a Washington con el objeto de ilustrar un importante libro sobre el Templo de los Guerreros para la Carnegie Institution Desde entonces radicó en los Estados Unidos, trabajando como maestro de pintura en la Student’s Art League, la Florence Cane School, ambas de Nueva York, y en la Chouinard School of Art de Los Angeles, California, la misma donde Siqueiros pintó en 1932 el mural Mitin Obrero En 1947 la editorial La Estampa Mexicana, que dirigía entonces Hannes Mayes, la editó el portafolio Mexihkanantli (Madre Mexicana), con diez cromolitografías 150 ejemplares de esta edición se hicieron en lengua náhuatl En 1963 la Yale University Press le publicó su importante libro The Mexican Mural Renaissance, 1920-1925, el cual aguarda todavía su versión española En 1968 el Instituto Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno, que dirigía entonces Carmen Barreda, presentaron una importante retrospectiva de su obra, dentro del Festival Internacional de las Artes del Programa Cultural de la XIX Olimpiada
Fue en 1949 cuando llegó a Hawai para unos cursos de verano en la Universidad de Honolulu, y ahí se quedó dando clases hasta que decidió retirarse en 1966 Para edificios públicos y privados de ese archipiélago de Polinesia hizo decoraciones pictóricas y escultóricas
El pasado 20 de marzo, a los 81 años de edad, murió en Honolulu Jean Charlot, lejos muy lejos de las turbulencias espirituales del movimiento plástico mexicano contemporáneo
Raquel Tibol






viernes, 1 de junio de 2018

Recomendación del Mes (Junio 2018)


Fuimos modernos. Diseño hecho en México 1940-1980
La exposición reúne más de 350 piezas: mobiliario, automóviles, motocicletas, accesorios (hogar, cocina y oficina), estampillas, fotografías, revistas, postales, tapices y señalización urbana. Abarca el periodo de 1945 hasta finales de la década de 1970, época particularmente prolífica en las diversas ramas del diseño (industrial, gráfico, textil, etc.). A lo largo de cuatro décadas, floreció lo mejor del diseño mexicano moderno con diseñadores, arquitectos y artistas mexicanos o residentes en nuestro país de varias generaciones, así como compañías y marcas nacionales, hoy de gran atractivo para especialistas y aficionados.
Del 02 de junio al 26 de agosto de 2018
Museo de Arte Moderno
Paseo de la Reforma, Esquina con Gandhi.


lunes, 21 de mayo de 2018

Nils Frahm


Frahm se introdujo en la música a una edad temprana, aprendiendo a tocar el piano en su infancia y asimilando tanto los estilos del piano clásico como los de compositores contemporáneos.

Actualmente trabaja como compositor y productor en Berlín. A principios de 2008 fundó Durton Studio, dónde ha trabajado con artistas similares.

Discografía
Grabaciones como solista
2005: Streichelfisch (AtelierMusik)
2008: Electric Piano (AtelierMusik)
2008: My First EP (AtelierMusik)
2009: Wintermusik (Erased Tapes, EP)
2009: The Bells (Kning Disk, LP)
2010: Unter/Über (Erased Tapes, EP)
2011: Felt (Erased Tapes)
2011: Juno (Erased Tapes, EP)
2012: Screws (Erased Tapes)
2013: Spaces (Erased Tapes)
2015: Solo (EP)

Colaboraciones
2009: Dauw (Split) con Machinefabriek (Dekorder, EP)
2010: Music for lovers Music versus time con F.S. Blumm (Sonic Pieces)
2010: 7Fingers con Anne Müller (HUSH)
2012: Stare con Ólafur Arnalds (Erased Tapes, EP)
2013: Music for wobbling Music versus gravity con F.S. Blumm (Sonic Pieces)
2015: Loon con Ólafur Arnalds (Erased Tapes, EP)
2016: "Trance Frendz" con Ólafur Arnalds (Erased Tapes, EP)




martes, 8 de mayo de 2018

Recomendación del Mes (Mayo 2018)


Ayotzinapa, el paso de la tortuga
Luego de la desaparición forzada de 43 estudiantes de Ayotzinapa, se hizo visible el dolor de los alumnos, los padres y demás involucrados, recordándonos el vínculo íntimo que existe entre todos y la importancia de la solidaridad.
Dir. Enrique García | México | 2017 | 80 min. Guion: Enrique García Meza. Música: Gus Reyes, Andrés Sánchez, Camilla Ubolidi. Fotografía: Enrique García Meza, Nacho Miranda, Gabriela Sánchez. Productora: Salamandra Producciones. (FILMAFFINITY).
CCU, Sala José Revueltas
Centro Cultural Universitario, CU, Insurgentes Sur 3000, Del. Coyoacán, 04510, Ciudad de México
23 mayo 2018
Miércoles - 03:00 p.m. a 04:20 p.m.
Precio
General: $40.00
50% estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, jubilados ISSSTE e IMSS. Sujeto a disponibilidad. Programación sujeta a cambios sin previo aviso.

martes, 17 de abril de 2018

Mary Cassatt


Pintora y grabadora impresionista estadounidense (1844 – 1926).
Cassat es sobretodo conocida por sus series de pinturas y grabados con madres y niños, aunque también explora otros aspectos de la vida social y privada de las mujeres. En contra de los deseos de su familia marcha a estudiar a Francia donde Edgar Degas se convirte en su mentor. De Degas aprende la técnica del grabado y el dominio de los pasteles. Exhibie con los impresionistas franceses y a su vuelta en Estados Unidos utiliza sus contactos para introducirlos a mecenas norteamericanos.





jueves, 5 de abril de 2018

Recomendación del Mes (Abril 2018)


Reconstruyendo el silencio

Casos de víctimas de violencia sexual. Audio, video, teatro y danza que buscan sensibilizar al público en torno a la importancia de denunciar estos abusos.
Para público mayor de 15 años.
21 al 22 de abril de 2018
18:00 hrs.
Centro Nacional de las Artes (Cenart)
Río Churubusco 79, Esquina con Calzada de Tlalpan.
Costo: $80.00



jueves, 22 de marzo de 2018

Alexandra Ivleva


Una artista que se hace llamar "Reina de la soldadura" está creando bellas esculturas soldadas en Moscú.
Aunque dice que no es feminista, muchas mujeres dicen que su trabajo les da poder y es inspirador.
Con su máscara desplegada y las chispas volando, Alexandra Ivleva da los toques finales a su última escultura.
Ivleva dice que su trabajo es simplemente una forma de expresarse haciendo lo que ama:
Alexandra Ivleva, artista: (dejémosla más cortita)
"Creo que la sensación interna de calma cuando te sientes cómoda siendo mujer y cuando entiendes todos tus lados fuertes o débiles y haces lo que amas en la vida y todo eso te da esa sensación de armonía que te permite no tener que probarle nada a nadie ", dice ella.
Ivleva dice tambié crea arte sobre los hombres, y le ga igual importancia a todas sus creaciones.
Alexandra Ivleva, artista:
"Mi arte no está relacionado con el feminismo de ninguna manera y puedes verlo aquí, en este momento. Aquí hay un hombre acostado frente a mí, a quien recreé en un metal y lo deifique, lo hago eterno, hago un monumento para él en esta escultura”.
La mayoría de los trabajos de Ivleva son interactivos. Ella quiere que la gente use su imaginación cuando los encuentre y le ponga su propio significado.
Ivleva aprendió la técnica de soldadura de su padre, y luego fue a la universidad para perfeccionar su oficio.
Aunque no fue arte lo que estudió. Ella aprendió su oficio en un lugar donde a los estudiantes se les enseña a soldar con fines industriales. Y ella era la única mujer allí.
Su última exposición está dedicada al amor, y estará abierta hasta el 25 de febrero de 2018 en el Centro de Arte Contemporáneo Zverevsky, de Moscú.
Milexsy Duran, Associated Press





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