Ciclo Cine de Carnitas V
Viernes, 23 de agosto de 2019 de 19:00 a 23:30
Más información en https://www.facebook.com/events/863053327407529/?notif_t=plan_user_invited¬if_id=1565244427069437
jueves, 8 de agosto de 2019
sábado, 6 de julio de 2019
Recomendación del Mes (Julio 2019)
13° Remate de Libros de la Ciudad de México
El Gran Remante de Libros es una iniciativa conjunta
entre la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México y la Cámara Nacional de
la Industria Editorial Mexicana (CANIEM) que tiene el fin de beneficiar a la
población con la venta de libros a precios con descuentos de 50, 60, 70 por
ciento y más.
Del 12 al 21 de Julio
Monumento a la Revolución
Plaza de la República, S/N
Colonia Tabacalera
Cuauhtémoc
5592-2038
Entrada Libre
martes, 11 de junio de 2019
Recomendación del Mes (Junio 2019)
Sesión Fotográfica grupal con temática gótica.
Tres modelos
Dos horas y media para trabajar.
Costo: antes del 19 de junio $350, del 20 al día del evento
$450
lunes, 13 de mayo de 2019
Recomendación del Mes (Mayo 2019)
FECIBA
Ya está cerca el Primer Festival de Cine de Barrio en
Ciudad Neza.
Más información en:
lunes, 29 de abril de 2019
Joaquín Clausell
Pintor mexicano. Nacido en Campeche (México), en 1886 se
instaló en la ciudad de México donde estudió abogacía en la Escuela Nacional de
Jurisprudencia. Su activismo político le llevó primero a la cárcel y después al
destierro por diferentes lugares de Europa entre 1892 y 1895, lo que le
permitió adquirir un conocimiento directo del impresionismo. En este estilo
desarrolló la mayor parte de su obra, comenzada a partir de 1904 por influencia
del pintor Gerardo Murillo, Doctor Atl, junto al que llevó a cabo una
importante renovación de la pintura de paisaje en México. El paisaje marino fue
una de las novedades más interesantes de su producción, con obras como la
marina La ola verde de Cuyutlán. En las paredes de su propia casa, la antigua
residencia de los condes de Santiago de Calimaya, dejó un amplio repertorio
pictórico de sus inquietudes. Murió en 1935 tras un accidente junto a las
Lagunas de Zempoala.
lunes, 8 de abril de 2019
Recomendación del Mes (Abril 2019)
Tierra Beat Festival Internacional de Música y Acción Ambiental
Fiesta multidisciplinaria para toda la familia de música, artes escénicas, video mapping, exposiciones, talleres, mercado orgánico y stands informativos asociados al conocimiento del medio ambiente.
Sábado 27 de abril. 10:00 hrs.
Domingo 28 de abril. 10:00 hrs.
Parque Bicentenario
Av. 5 de mayo, 290
Colonia Tlaltenango
Miguel Hidalgo
miércoles, 27 de marzo de 2019
Cristina Iglesias
Cristina Iglesias nació en San Sebastián en 1956 en el
seno de una familia con grandes inquietudes culturales. Leía mucho y le gustaba
ir al cine y, aunque empezó a cursar la carrera de Ciencias Químicas, pronto se
dio cuenta que esa no era su verdadera vocación, lo que la llevó a abandonar la
facultad y a trasladarse a Barcelona para estudiar dibujo y cerámica entre 1977
y 1979.
Su pasión por las piezas tridimensionales comenzó cuando
empezó a trabajar el barro, pero la necesidad de encontrar nuevos lenguajes la
llevó a Londres para matricularse en la Chelsea School of Art. Fue precisamente
en Londres donde conoció al que se convertiría en su esposo, el escultor
madrileño Juan Muñoz. El matrimonio tuvo dos hijos, Lucía y Diego, y constituyó
un sólido tándem creativo hasta el repentino fallecimiento del artista, en
agosto del 2001.
Las obras de Cristina Iglesias reflejan, en general, un
vocabulario estético que está basado en el uso de diferentes materiales como
hormigón, alabastro, resina, hierro, o cristal que a veces se combinan con
motivos vegetales como el bambú o la hojarasca y diferentes técnicas que
delatan el interés de la artista por el espacio, la arquitectura, la literatura
y la geología.
Cristina Iglesias se dio a conocer en la primera mitad de
la década de los ochenta y su consagración internacional llegó en la década de
los noventa donde ya pudieron verse algunas de sus obras en prestigiosos en museos como la Kunsthalle
de Berna (Suiza), en la galería de la Universidad de York, en Toronto (Canadá),
en la Exposición Universal de Sevilla (1992), en el pabellón español de la
Bienal de Venecia, o en el Carnegie Institute, en Pittsburgh (Estados Unidos).
El Museo Guggenheim de Nueva York, por su parte, le dedicó una muestra en 1997,
que un año más tarde llevaría al Guggenheim de Bilbao, el Palacio de Velázquez
de Madrid y Chicago.
Tras nueve años de silencio Cristina Iglesias reapareció
en el año 2007 con su puerta escultura para la ampliación del Museo del Prado,
su primera obra pública en España.
En el 2013 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
alojó una exposición antológica, conformada por más de cincuenta piezas, que
supuso la mayor retrospectiva que se ha realizado hasta la fecha de esta
artista, desde sus inicios hasta la actualidad. Creaciones que generaron
sugerentes mundos ficticios y abandonan sus fines utilitarios para convertirse
en escenografías. Intersecciones entre lo natural y lo cultural, sombras,
cascadas, remolinos y follajes, en las que la idea de refugio resultó la metáfora
más recurrente.
Recientemente se ha inaugurado en Toledo el proyecto
“Tres Aguas” consistente en tres intervenciones urbanas con el agua como
elemento principal que, según la propia autora, nació con la intención de
volvernos a recordar que las tres culturas convivieron en paz y la obra
referencia «la memoria de la ciudad, la geología del lugar, la estratificación
de la cultura y del terreno con esos bajorrelieves que aparecen debajo de lo
que pisamos. Con un juego con el tiempo que marca el ritmo del mirar.
La Escultora donostiarra tiene obras en museos y
colecciones de todo el mundo; entre ellos, el Centro Nacional de Arte y de
Cultura Georges Pompidou de París, la Fundação Serralves de Oporto, el Solomon
R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museum and Sculture Garden de
Washington, D.C., el Irish Museum of Modern Art (IMMA) de Dublín, el Museo de
Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), el Museo de Arte Moderno (MoMA) de
Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid y
la Tate Gallery de Londres.
martes, 26 de febrero de 2019
Dimitri Shostakovich
Compositor soviético. Su
producción abarca todos los géneros: la ópera, la comedia musical, la sinfonía
a la miniatura para piano, la música concertante, la cantata, el cuarteto de
cuerda y la música para el cine. Autor prolífico, escribió un total de 147
números de opus, correspondientes muchos de ellos a obras que hoy se cuentan
entre las páginas más interpretadas y grabadas del repertorio.
Sin embargo, a pesar de ser
considerado, junto a Prokofiev, el compositor más representativo de la
desaparecida Unión Soviética, su carrera no fue fácil: premios y
condecoraciones -entre los que se contaban los Premios del Estado y Lenin y la
distinción de Artista del Pueblo-, se alternaban con continuas persecuciones y
condenas por parte del mismo régimen que lo laureaba, bajo la acusación de
realizar una música antipopular y en exceso moderna. Todo ello dejó su huella
en el estilo de sus últimas composiciones, caracterizadas por un tono amargo y
sombrío, así como también por una crudeza que contrasta con el espíritu jovial
y desenfadado de las primeras.
Nacido en el seno de una
familia en la cual la cultura ocupaba un lugar importante, Shostakovich recibió
sus primeras lecciones musicales de su madre, pianista profesional, a una edad
que se puede considerar relativamente tardía, los nueve años. Ante sus grandes
progresos, en 1919 ingresó en el Conservatorio de Leningrado, en donde tuvo
como principal maestro a Aleksandr Glazunov. Huérfano de padre desde 1922,
Shostakovich proseguía sus estudios al mismo tiempo que, para mantener a su
familia, tocaba en diversas salas de cine como pianista acompañante.
El estreno en 1926 de su
sorprendente Sinfonía núm. 1, escrita en ocasión de su graduación en el
conservatorio, atrajo inmediatamente sobre él la atención del mundo musical.
Las obras inmediatamente posteriores, como la ópera La nariz o el ballet La
edad de oro, no hicieron sino confirmar el talento de un joven compositor
especialmente dotado para la sátira.
La carrera ascendente de
Shostakovich sufrió un inesperado revés con el estreno en 1934 de su segunda
ópera, Lady Macbeth de Mtsensk: entusiásticamente recibida por el público,
tanto en Leningrado como en su posterior escenificación en Moscú, fue retirada
de cartel tras la aparición de una crítica en el diario oficial Pravda,
titulada Caos en lugar de música, en la que se acusaba al compositor de haber
escrito un «concierto de aullidos», ajeno a los presupuestos de la música
socialista, que debía ser clara y fácilmente asequible.
Se iniciaba así una larga y
contradictoria relación con el régimen estalinista: mientras en Occidente era
considerado el compositor oficial soviético, en su propio país Shostakovich
hubo de sufrir las injerencias de sus autoridades culturales, a pesar de lo
cual, y pese a su aparente aceptación tácita de los preceptos del realismo
socialista, consiguió mantener siempre su independencia creativa.
Los estrenos de la clásica
Sinfonía núm. 5 y, sobre todo, de la patriótica Sinfonía núm. 7 «Leningrado»,
símbolo de la lucha del pueblo ruso contra el invasor nazi, rehabilitaron a un
compositor que en 1948 volvió a ver de nuevo prohibida la ejecución de sus
obras bajo el estigma del formalismo.
Tras la muerte de
Stalin en 1953, la música de Shostakovich se hizo más personal, y se tradujo en
una larga serie de partituras presididas por la idea de la muerte. Es el caso
de las tres últimas sinfonías y de sus cuartetos de cuerda, un género que el
compositor convirtió en el medio idóneo en el que expresar sus preocupaciones y
miedos de una manera privada, sin necesidad de recurrir a máscaras o disfraces.
Su música, sobre todo la de estos años postreros, ha influido considerablemente
sobre la de sus compatriotas más jóvenes, como Alfred Schnittke o Edison
martes, 12 de febrero de 2019
Recomendación del Mes (Febrero 2019)
La talla en vidrio
Exposición temporal donde se recorrerá el proceso de
elaboración de objetos a través de la talla en vidrio y el grabado pipeteado de
David Guillén.
Museo de Arte Popular
Revillegigedo 11, Colonia Centro Histórico, Cuauhtémoc
55102201
Entrada general $60.00
Entrada libre a menores de 18 años, personas con
discapacidad, INAPAM, estudiantes, maestros y artesanos
Domingo entrada libre
Costo: De $30 a $60
martes, 29 de enero de 2019
L’Inferno (1911) el primer largometraje Italiano inspirado en La Divina Comedia de Dante Alighieri
Considerada una de las primera películas surrealistas en
la historia del cine y el primer largometraje de ficción del cine italiano,
“L’Inferno” de Francesco Bertolini, Giuseppe De Liguoro y Adolfo Padovan es una
pieza clave para el desarrollo del cine y su narrativa en los años en que el
cine se consolidaba en un sólido espectáculo de masas. Era un cine que
intentaba ir más allá que mostrar acontecimientos cotidianos como lo hacían
Méliès o Lumière en Francia. Esta vez, inspirado en historias dramáticas y de
ficción creadas por el cine indio de Phalke, y su historia de Raja
Harishchandra, el cine italiano desarrolla la obra basada en el poema de Dante
Alighieri, “La Divina Comedia”.
La película demoró más de 3 años en realizarse por un
grupo de más de 150 personas, su audición fue en el estadio italiano, lo que
hace presagiar su legado en torno al nacimiento e inició el género del cine
monumental italiano.
El concepto visual del film y estética están creados por
el artista visual Gustavo Doré encargado de realizar los grabados en escena.
Doré, fue un famoso ilustrador que trabajo en las obras literarias El Quijote
de la Mancha y El Cuervo de Edgar Allan Poe donde realizó la gráfica de las
obras. La película tiene maravillosos efectos especiales de la época creados e inspirados
en las obras del mago Méliès, con un fuerte contraste a nivel de imagen y mucha
oscuridad que provocaban terror en el publico.
La obra atemporal de Dante, permite que la película se
estructure de una forma narrativamente más informal dando más importancia al
espectáculo en sí que a la propia historia. Podemos ver conceptos que en los
primero años del cine son más experimentales, como la elipsis de tiempo, escala
de planos y algunos movimientos de cámara pero que en los próximos años pasarán
a ser herramientas claves para contar historias.
viernes, 11 de enero de 2019
Recomendación del Mes (Enero 2019)
Casa calabaza
Casa Calabaza es una obra escrita por María Elena Moreno
Márquez, presa en el penal de Santa Marta Acatitla por homicidio en relación de
parentesco. Es una obra autobiográfica en la que la autora narra su vida desde
la niñez y hasta el momento en el que es llevada por las autoridades para
cumplir una sentencia de 28 años.
Autor: María Elena Moreno Márquez
Director: Isael Almanza
Reparto: Erandeni Durán, Fátima Paola Arias, Patricia
Hernández, Gloria Castro, Mireya González Martínez y Alfredo Monsiváis
González.
Público: Adolescentes y adultos
Foro La Gruta
Avenida Revolución, 1500
Colonia Guadalupe Inn
Álvaro Obregón
(55) 4155 0900, (55) 4155 0901, (55) 4155 0919
Costo: $200. 30% Estudiantes, maestros e INAPAM
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